Cover: Joey Valence & Brae
Editor's Note
并不意外，UPEE 今年还是你关注的中文媒体里最迟推出编辑部年榜的。除了中文发行年榜之外，编辑部每年还会为读者特别推荐过去一年我们喜爱的发行组成编辑部发行年榜。
其实因为去年就有在策划做年刊，实际上年榜制作大致在去年十二月就已经在进行中了，但由于中间停更了两周，拖到了现在才发布；然而，农历新年年末也可以算年末，在这个角度来讲我们还是按时发出了（如果你有关注往年更新，我们每次都是在农历新年发的）。
这一次年榜与往年不同的是，往年都是由编辑部各个成员提交自己的年度榜单，我们通过数据统计的方式得出编辑部的年榜结果；而今年我们通过T豆石三位成员进行讨论得出了年度榜单，以求在内容中呈现更自洽的价值和取向。
同时感谢参与到评论撰写的各位编辑部成员；至于编辑部单曲年榜，由于和华语单曲年榜进行镜像，所以也没有写短评。
石田吉藏
No.30 Bird's Eye
Ravyn Lenae (Atlantic)
来到第二张专辑的 Ravyn Lenae 从前作足具冷感和迷幻的制作气质中脱出，寻求更为“流行工业”气质的流行泛独立写作，于此你也能找到从 Childish Gambino 至 Ty Dolla $ign 的主流明星助阵。在《Bird's Eye》的 Ravyn 是显然更加自信的，也在更多原声配器加入之中找到了更加温暖踏实而舒适延展的声音，在“泛 R&B”的整体编排上做出了足有气色的流行佳作。（文/炸煎饺）
No.29 Rose Main Reading Room
Peel Dream Magazine (Topshelf Records)
在《Rose Main Reading Room》中，洛杉矶乐队Peel Dream Magazine更深入地挖掘了他们那种轻盈梦幻的富有古典极简主义的迷幻流行美学，并以回响满溢的吉他和呢喃般的歌声交织出60年代迷幻音乐幽灵般的回声。专辑以对音质细节的极致追求而大放异彩，每一首歌都如同一幅经过复杂编织的柔和绸缎，结合了朦胧的迷幻流行与机械节奏。无论是带有Belle and Sebastian式甜美的独立流行“I Wasn't Made for War”，又或是Yo La Tengo般略显忧郁的“Four Leaf Clover”，它们既唤起了温柔朴素的怀旧情绪，也带来迷茫于现代的错乱感。因此当这些声线试图穿梭于过去和未来之间时，它仿佛抓住了一些记忆深处不知名的，那些使人迷恋又令人感到疏离的气息。（文/TQ）
No.28 Feats of Engineering
fantasy of a broken heart (Dots Per Inch)
在纯粹的独立视野中展开的感受书写，伴随着仅属于此代人的创作精神，以各色流行致敬作为细节，又包含饱满的写作变化。fantasy of a broken heart 拥有把所有能极尽花哨的思路保留于朴素框架之中的能力，却并不让在整轨收听中可谓缤纷的编排丢失色彩，或许出于本身命题并不大你不好说他们是什么天才，但在极尽的舒适和信息中你觉得可以确认这是一张灵感之作。（文/石田吉藏）
No.27 My Light, My Destroyer
Cassandra Jenkins (Dead Oceans)
《My Light，My Destroyer》放射着20s独立民谣流光溢彩的魅力。从《Petco》Boygenius式沉缓的的乡村摇滚吉他再到《Omakase》Bon Iver般弦乐流转悠长的Art Folk，Cassandra Jenkins在2021年的《An Overview On Phenomenal Nature》就已用安静的独立民谣之声表达了对自然和内心的沉思与描摹。而《My Light，My Destroyer》更进一步，以更加完整的音乐体验与笔触角度深化着Joni Mitchell式民谣女子的旅途，爱情与自我内省所感。《My Light，My Destroyer》仿似《Hard Drive》在后疫情时代更加清澈而美妙的回响。（文/李友前）
No.26 Think Differently
Callahan & Witscher (Post Present Medium)
属于 20s 的声响思路之间填充着 90s 与 00s Retro 的，属于下载时代的扁平音色与带有“Nerd感”的整体气质。Callahan 与 Witscher 于《I Love Music》的一开场即表明了他们意图呈现的声音是什么形象的，几乎是不带有任何包袱的拼贴透露来自 Drum n Bass, Garage Rock, Rap Rock 等错杂影响，更在自洽的节奏处理中有对自身表达的自信。如果 90 年代的 Beck 对你来说还是有点过于“浪荡”，Callahan & Witscher 或许可以让你找到在整齐之中同样的饱满表达欲和洒脱感。（文/石田吉藏）
No.25 ABOMINATION
Lynks (Heavenly)
绝对的 Drag Pop 拥有从内向外一致的精神。机械舞池节奏不需要取巧投机的多一层点缀本身即具有“带动”的花哨味，跳舞感之上性少数意味十足的写作或许是从 Cupcakke 到 Kim Petras《Slut Pop》发展过程中一直令人期待的属于男同性恋人群的精神延续——显然，这并不是“brat”的影响，纵然 Charli Xcx 一直都够格认为是同类型地下创作者向外表达的最合适的（或在泛主流视角生长的）旗帜人物—— 一点中毒心态，一点“Slut Pop”精神，一点宿醉的失神状态，这并不是停留在声音层面复刻的、供足不出户顺直乐迷们在卧室里细听以 Judge 的“刻板舞池探索”，而是真正以个体视角进行感受、表达的切入之作，也注定在玩票中才能与人群完成确认。（文/石田吉藏）
No.24 Two Star & The Dream Police
Mk.gee (R&B Digital)
破碎的声音设计足致成为细腻、利索的整体收听体验，在情绪色泽把控得整齐平稳的整体状态中带来 DIY Bedroom Pop 的一个可呈现的理想状态。被誉为 PB R&B 版本的 Bon Iver 的确贴切，但 Mk.gee 创作中居于旋律律动进行“贴合尝试”的声效思路，以及匿藏之下的复古情怀，都是可以受到乐迷更多关注的、尚待发掘的闪光。（文/石田吉巴）
No.23 Viva Hinds
Hinds (Lucky Number)
在鼓手和贝斯手相继离开乐队后，编制减半的Hinds却在新的旅程中比以往的作品更加圆融动人，并进一步在原本的女子摇滚印象中深入，探索友谊和自我的叙事。“Superstar”以Jangly吉他基底层层铺叠，几乎是你能在20s听到的最棒的友谊颂歌，也无疑是整张专辑的情绪巅峰；再到“Coffee”是最直白的青春体悟，咖啡、香烟、来自那个“我不会和他睡”的男孩的鲜花，你很难找到比它们更合适的意象组合。而更可贵的是Hinds一以贯之地以主和弦辅以简单旋律的词曲写作和毫无门槛的声音体验——Hinds总是在轻快松散地氛围中将喜乐伤怀的权利交付给听众。（文/列车员）
No.22 Statik
Actress (Smalltown Supersound)
英国实验音乐人Actress (Darren Cunningham) 的专辑《Statik》的封面图片通过晕眩的强烈曝光效果和大量噪点，展现了一个令人不安的郊外深夜。这很好的体现了这张前卫电子乐作品的特色，带有粗糙质感的极简氛围乐与闪烁的实验音色相融合，传递出焦虑与压抑中空气自由流动的孤独感。Actress如同站在一个隐秘的宇宙航空站的控制台前，将电子音乐的边界进一步推向深不可测的恐怖的未知领域。这使专辑的气质游走于抽象与结构之间，充满着机械的咔哒声、失真低音线和断裂的节奏片段，却在混沌中留存一种光污染般的饱和感。
在专辑最出色的曲目“Rainlines”中，这种不稳定性被推向高峰。循环的鼓点紧张有力，与此同时每一个音符、每一段延音都像是一个信号，从遥远的维度传递过来。你可以说，这像是某种危险的警告，又或者是宁静的暗示。在这片充满静电的音景中，Actress唤醒了人们对空间、时间和情感的崭新感知，描绘出平静表面下暗流涌动的绝对张力。（文/TQ）
No.21 Rooting for Love
Lætitia Sadier (Drag City)
Lætitia Sadier 的个人作品并不好认为是 Stereolab 的延伸，在她已经足矣认为是相对高产的个人生涯中，有不少在 Stereolab 极简化与氛围方向进一步发展，内含更多自省意味和发散感，与个人书写的内容。这些属于她自己创作的印记继续在《Rooting for Love》中保留，并在“实心感”的整体声音编排中持续性地完成她对新世纪以来 Indietronica 构筑的 Art Pop 写作的理解。柔和而引人深入的旋律片段与氛围营造依旧是名片，溢散而出的编排气质则是完全属于她自己创作个性的魅力所在。（文/豆瓣注销了结果发现Judice的短评对我大抄特抄我甚至都没法维权Judice如果你在看你没有心）
No.20 Three
Four Tet (Text Records)
《Three》展现了Four Tet收放自如的制作能力，既可以和Skrillex一起在House风格里驰骋，也能在个人专辑里轻松驾驭Downtempo和Ambient这些清爽的风格。自2020年的《Sixteen Oceans》后，Four Tet在这张筹备已久的专辑中以他擅长的方式用明亮轻快的电子音色构筑了属于他自己的氛围世界。无论是《So Blue》里悠扬往复的曲调，还是《31 Bloom》中快节奏的碎拍，都恰到好处的出现在了合适的位置，让听者仿佛置身田野和山间。这是Four Tet创造理念的进一步延伸和尝试，我们也可以在这些清爽的节奏中找到一些Four Tet藏留在音符间的宁静。（文/🥶）
No.19 #RICHAXXHAITIAN
Mach-Hommy (Self-released)
在Drumless hiphop/Abstract hiphop盛行且赛道拥挤的几年，Mach-hommy在今年给我们带来了颇具大师手笔风采的作品。透过“神秘主义”的营销人设，在回溯祖先历史探讨社会议题的歌词传递和精良制作与听众搭起了桥梁。爵士灵魂乐福音等悦耳采样使专辑听感并没有与听众疏离，同名曲与当代R&B，trap歌手合作成为了他对主流嘻哈曲风的一次尝试，SAME 24中的钢琴滑音瀑布音采样也成为他生涯中灵动悦耳的段落之一，是今年不可错过的嘻哈佳作之一。（文/压碎影子）
No.18 Night Palace
Mount Eerie (P. W. Elverum & Sun Ltd.)
《Night Palace》在湖面上激起的淡淡涟漪破碎，凄美而富有哲思。继长达四十四分钟四十四秒史诗般的《Microphone in 2020》，Phil Elverum将他所熟悉的自然意象与个人自我沉溺式的哲理诗相结合，Phil脆弱而多愁善感的的声音穿梭在噪响的钢鼓和失真的吉他中，却如同他先前的作品一样都在噪音的炮弹下藏着民谣音乐的恬淡糖衣。在《Microphones in 2020》中Phil所探讨和追问的“True state of all things”到此看似已经不再重要，The Microphones的迷茫在Mount Eerie的进化中早已转化为一种形而上的存在主义叙事。《I Walk》沉稳而急促的吉他仿佛昭示着Phil二十载的独立音乐生涯兜兜转转，再次蹒跚着，回到了与《We Stayed In the Water》相同的，那纯粹动人的自然美学。（文/李友前）
No.17 Highway Prayers
Billy Strings (Reprise)
蓝草音乐家Billy Strings 在《Highway Prayers》中将蓝草的传统根基与更宽广的音域相结合，展现了他对这一古老音乐形式的深刻理解与大胆拓展。这张双LP长度的作品并未只专注于炫技，而是在充满情感深度的旋律中探索人类孤独与希望的复杂体验。从精心编排的室内录音到充满活力的现场即兴演奏，Billy Strings不断将蓝草的边界推向新的高度，尤其是在“Stratosphere Blues / I Believe In You”这样的曲目中，迷幻的合成音效与真挚的乡村叙事完美融合，带来既贴近传统又耳目一新的音乐体验。这不仅是一场献给蓝草音乐的深情礼赞，也是一位音乐家在不断进化中对自身的深刻剖析。（文/TQ）
No.16 No Name
Jack White (Third Man)
Jack White 前几张专辑中均有或多或少的老来俏痕迹，在这张新作终于找到了称得上平衡、稳当的自洽。熟稔的 Blues Rock Revival 夹杂个人企划中早期的冷峻色彩，在线条粗直、编排齐整的呈现中带来几乎将来自 The White Stripes 再次带回到乐迷们的耳朵。不好评价此刻的 Jack White 是不是“中兴”的，因为实际上他一直保持着相对稳定的创作状态，但《No Name》包含的对自己早期创作的回目，同时选择以更紧绷感、直练的声音进行再现，从翻新、反思的角度来看都是在实际上可取的，并的确取得了还不错的整体成色。（文/石田吉巴）
No.15 A Chaos of Flowers
BIG|BRAVE (Thrill Jockey)
加拿大乐队Big Brave在失真的音浪与破碎的节奏中探寻着乐队的艺术人格。在低速与高度重复的吉他声墙在营造出深刻末日感的同时，其本身更像是某种自然与机械的隐喻。器乐的机械与沉重更能凸显出人声的身体性：孤独的主唱女声在厚重失真的底噪之上游走，隐含着一种脆弱的张力，像是花朵在岩石中的纠缠。此专辑将后金属的末日氛围、实验色彩与民谣的诗意美学融为一体，使人们既被混沌的力量吞没，又被它的美感打动：既感到压抑，又感到解放。正如同专辑标题，在一场花朵的狂乱之中，我们找到了美与平静。（文/浴室傩）
No.14 Tigers Blood
Waxahatchee (Anti-)
Waxahatchee与Brad Cook合作的第二张专辑《Tiger Blood》基本上延续了《Saint Cloud》中温润的美式民谣风格，相较于后者依然保留下的噪音朋克特质（“Oxbow”），前者进一步贴近原声乐器制动的南方风格。Katie豪不出错的词作在Brad Cook和MJ Lenderman的帮助下保证了整张专辑高品质的听感。“3 Sisters”后方渐强的军鼓以及“Right Back to It”“The Wolves”两首的吉他是极易失衡的编排选择，却被处理得很好。不仅如此，Waxahatchee这样看似保守的创作方向其实并没有舒适区可言，一有2020年应运而生的《Saint Cloud》珠玉在前，想要实现听觉上的割席几乎不可能；二来是她从《Out in the Storm》便开始尝试的大笔触——清醒和人生体悟，这样的话题若是没有好的笔力驾驭便会沦为油腻中年的有病呻吟。（文/列车员）
No.13 Small Medium Large
SML (International Anthem)
爵士五人组SML的首张专辑《Small Medium Large》是洛杉矶实验爵士乐场景的一次辉煌记录。专辑诞生于ETA酒吧连续四晚的即兴演出，经过精心剪辑与混音，展现了该五重奏跨越非洲节奏、宇宙音景与后爵士实验的创造力。从“Switchboard Operations”快速采样循环的动态冲击，到“Dolphin Language”沉静的合成器音景，这部作品既致敬了Miles Davis与Herbie Hancock等爵士巨匠，又以独特的拼贴方式开拓了爵士的未来方向。它不仅是一场充满活力的音乐体验，更是洛杉矶新爵士浪潮的激动人心的里程碑。（文/TQ）
No.12 Piedras
Nicolás Jaar (Other People)
Nicolás Jaar 于《Piedras》中不再仅作为一个“电子音乐制作人”的形象存在，而是通过民族感触，与祖国智利的精神连结，以及深重历史反思和个体体验重塑了自己的表达，达到了完全的从音乐至文本都立体的创作者形象。深邃而沉重的叙述和延伸思考穿梭于抽象、前卫的声音形态之间，带领所有居于外处的听众从外向内地步入他的视角中，《Piedras》拥有完全的创作者意识，以及相当自洽而成熟的音乐呈现。（文/石田吉巴）
No.11 Endlessness
Nala Sinephro (Warp)
几乎可认为是过去一年最具完成度的 Ambient 取向的作品。然而在舒适的室内乐廓形中，Nala Sinephro 有利落不失柔滑的管弦乐写作，更为细腻勾勒的情绪导向，我们完全可以认为她把握住了当代的 Chamber 系所具有的“小而精，不失情绪”的特点，在一人承办全部器乐中达到极致利索而融通的整体编排，也由此足以将听众带入出神的境界。也难免 Sinephro 自己会认为《Endlessness》是“Spiritual Jazz”，而非“完全的 Ambient Jazz”，在接续与无尽之间脉络鲜明，意识通透。（文/石田吉藏）
No.10 Funeral for Justice
Mdou Moctar (Matador)
在《Funeral for Justice》中，Mdou Moctar用吉他怒吼出沙漠的哀鸣和抗争的呐喊，这张专辑不仅是他音乐生涯中最为直白的政治声明，更是图阿雷格传统与现代愤怒的激烈碰撞。从爆裂且急促的节奏到传统乐器的点缀，每一个吉他音符都传递出不容忽视的迫切情感。而当他的歌词讲述殖民与掠夺时，那贯穿整张专辑的吉他独奏更像是一场无声的抗议，尖锐而震撼人心。Mdou Moctar用这场蓝调与怒火交织的盛宴，谱写了一曲为正义而奏的葬礼之歌。（文/TQ）
No.9 Resort
Skee Mask (Ilian Tape)
柔和之中有更圆润的声音形态，试图在氛围与碎拍中找到一种饱满的平衡。（文/石田吉藏）
No.8 Night Reign
Arooj Aftab (Verve)
聊聊其中两首。评论这张专辑的确绕不开的是《Autumn Leaves》。这样一首几乎被玩烂的jazz standard 是一个很难的考题，而她是一个聪明的考生。一个把hangdrum放进爵士乐基底的东西能差到哪去呢？作为我最喜欢的音色之一，我的确没法摒弃我主观对他的偏爱，但它承受得住更高的评价。
作为一个贝斯手，《Last Night Reprise》对我格外有吸引力，尤其是当仔细听前奏时，你会发现跟随贝斯的哼唱——那是音乐真正的脉搏。你仿佛可以看到一个全神贯注的演奏家，旋律从他整个人身上流出。这种“人味”正是爵士乐的灵魂。
总结来说，这张专辑的起伏把握得很好，不仅仅是每首歌内，还有歌曲之间。再加上声音的丰富性和乐器的选择都注定了这不可能是一张差的专辑。你可以把注意力放在任何一个位置，她大概都不会让你失望。（文/spob）
No.7 The Pilgrim, Their God & The King Of My Decrepit Mountain
Tapir! (PIAS)
《The Pilgrim, Their God and the King of My Decrepit Mountain》是由伦敦六人独立民谣乐队Tapir!用独特叙事与细腻编排打造的一场充满奇幻色彩的民谣旅程。这张三幕式专辑如一部充满隐喻的音画小说，在细腻的拨弦、飘渺的弦乐和灵动的电子律动中勾勒出孤独旅人与荒诞生灵穿行于神秘山林与风暴大海的旅程。开场的“On A Grassy Knoll (We Bow Together)”以民谣与电子鼓点的融合带来清新又温暖的启航，而“Gymnopédie”则用荒诞幽默的歌词与层层叠加的管弦乐织就了一种既不失庄重又轻盈的对比美感。最终的“Mountain Song”汇聚全专辑的音乐主题，在人声、弦乐与大自然音效的交织中完成一次直达灵魂的升华。这支乐队与Little Wings合作，在抽象叙事与细致旋律间找到平衡，他们的作品展现出无与伦比的音乐创造力和想象力。（文/TQ）
No.6 Cool World
Chat Pile (The Flenser)
从《God's Country》更进一步的乘胜追击，Chat Pile 作为一支才行至第二张专辑的年轻乐队在《Cool World》中展现了金属音乐可用作更多形态呈现的可能性和“适宜感”。即使具有十足重型意味的撞击，并安排在底色明确的 Noise Rock 与 Post Hardcore 框架中——也不免有乐迷认为是“Grunge味的Nine Inch Nails”——这让他们在泥浆的痕迹中有可察觉到的更多直截、通气的来自主流摇滚音乐的影响和新金属气质弥留，完成属于自己的创作个性的构建。（文/玻璃噜噜）
No.5 Manning Fireworks
MJ Lenderman (Anti-)
在游戏《荒野大镖客：救赎2》中，当你操作主角亚瑟在酒店房间里照镜子时会触发这样一则彩蛋：镜子里的亚瑟看起来憔悴不堪，他用伤感的语气自嘲道：“你这个丑鬼，你老了……太老了，又可悲，难怪他们都离你而去。”这几乎是整个游戏中我最喜欢的桥段之一。它并非是什么令人血脉喷张的场面，却透着一种荒诞的自省，看着这样一个自卑又多愁善感的壮汉，不禁让人哑然失笑，但又被深深触动。如何在当一个英雄的同时成为一个废物，正是MJ Lenderman在他的专辑《Manning Fireworks》中尝试表达的主题。作为独立乐坛炙手可热的吉他大师，MJ Lenderman有着卓越的演奏技巧，这本可让他在个人作品中展现更多炫技成分，但他却选择了另一条道路。在专辑的第一首歌，同时也是专辑同名歌曲“Manning Fireworks”中，他这样唱道：
You once was a baby and now a jerk, Standing close to the pyre, manning fireworks.
没错，整张专辑便围绕着“曾是个孩子的混蛋试图守护易逝的烟火”的故事展开，听起来既可悲又令人惊叹。在MJ Lenderman粗粝厚重的另类乡村摇滚下，有一种让人无法抗拒的平凡感。他唱的并非什么英雄史诗，而是那些琐碎、失败，甚至被生活戏弄的片段。他的吉他旋律迷人却不张扬，掌控着重金属般的节奏质感，却透出一种疲倦和残酷。这是一种冷静的自我观察，既不热血，也无反抗。而正是这些缺陷与自我厌恶，让他的音乐听起来是如此的真实且迷人。
MJ Lenderman的歌词同样证明了自己是位出色的语言大师，我并非指其中屡屡出现的那些“屎尿屁”式的混账幽默（还有精液），虽然它们也贡献了专辑的部分核心情感，但真正让人着迷的是他以寥寥数笔刻画出的幽默且机智的颓废中年人形象。在“Rudolph”中，他写道：“He‘s just a jerk who flirts with the clergy nurse till it burns”；而在“Wristwatch”中，他吹嘘自己在布法罗的房产和Himbo Dome的船屋（所以Himbo Dome究竟是什么？）。这些歌词显现出荒诞和深刻的忧郁，充满了不经意的智慧，既不是批判也不是“反英雄”，更像是从郊区某间破败公寓中传来的糟糕又神秘的吟唱。《Manning Fireworks》并非一部单纯的“失败者传记”，它是一个既善良又充满缺陷的普通人，试图告诉我们：失败并不意味着一无是处。那些从人性细微裂缝中透出的不甘、挣扎与片刻的温暖，才是生命真正的光亮所在。（文/TQ）
No.4 No Hands
Joey Valence & Brae (JVB Records)
和Brat同一天发行，在豪华版内还翻唱了365，与那张掀起狂潮的绿色专辑一样，它听起来鲁莽、有梗、横冲直撞、调皮戏谑，但是在当下的语境，我更愿意说它们有深厚的文化。东海岸嘻哈、碎拍舞曲、朋克、搞笑音乐（your name’s not Olivia, you don’t got the guts)在复古外衣下被这两个装精神小伙的nerd拼贴利用，成品相当悦耳能蹦，真正达到了摇迷哈迷电迷的大团结。No Hands和Brat证明了好音乐不一定需要厚重，或者，信手拈来的流行梗和跨界的音乐本身就是一种厚重。像专辑名一样，他们的态度就像你不用手就能骑自行车时一样cocky。（文/洋洋妈）
No.3 Here in the Pitch
Jessica Pratt (City Slang)
第一首歌作为今年现象级电影《好东西》的开场曲，让这张专辑在24年成功出圈。这张专辑延续Jessica Pratt一如既往的风格，却并不让人觉得重复或无聊。你能在她的作品中找到诗意，甚至一点点宗教感的光辉。配器看似简单，却很精准，合成器总是出现在合适的地方，让她不同于那些无聊的“folk/country”，加上她独特的，带着些爵士感觉的vocal。虽然这不会是一张上来就击中你的专辑，但它一定经得起你听十遍，而这很难得。（文/spob）
No.2 Only God Was Above Us
Vampire Weekend (Columbia Records)
Vampire Weekend的乐队主唱Ezra Koenig在制作专辑前，前往日本，跟着极简主义大师Terry Riley学习raga singing，并在此期间写下了他认为自己生涯中几乎是最好的7首歌。虽然在专辑里raga这一来自印度的民族音乐色彩并不明显，却无意沾取了极简主义的古典韵味。这在最令人印象深刻的曲目“Connect”中表现最为明显：间奏中的分解和弦似乎有意地去旋律化，而同一段落则多次以不同的节奏型演奏，配以严谨规整的和声，蒙上一层古典色彩。专辑的其他曲目里，“Classical”一曲带来爵士乐的氛围，萨克斯在喧闹与优雅之间来回跃动；“Capricorn”又精巧地将原声状态下的弦乐与带有工业音乐气息的合成器结合在一起；拼贴式采样的创作手法时而又将专辑转向电子化。这些不同状态与时代交织的声音风格仿佛呼应歌词中的各色人名与复杂的角色关系，共同勾勒出乐队成员对过往纽约的回忆与遐想，使其兼具亲密私人与晦涩陌生的感触，破败虚无的纽约场景又在detune后的钢琴声中离听众更近一步。新旧时代的交替以复古的质感呈现，承载着Vampire Weekend成人成长的矛盾思绪，而最终融入失真的声音里，并把永恒归于我们之上的神明。（文/鱼子酱）
No.1 Diamond Jubilee
Cindy Lee (Realistik Studio)
两个小时，从费城驱车前往纽约。如果这段距离成了每天通勤的一部分，它很难称得上是种美好的经历。在这些日复一日的循环中，公路风景早已沿着窗缝滑落成模糊的幻影，而无数次的日出日落也无法真正汇聚成生命中的奇迹。或许你会无意识地打开车载电台，将这些失落、孤独和心碎的记忆揉成一团，将它们放进压制机中，如同陈旧的唱片一样，最终让它们伴随着感伤的歌声飘荡。或许这正是Cindy Lee的这张拥有惊人时长的32首歌曲的双碟专辑《Diamond Jubilee》的奇妙之处，那些相似的关于无法挽回的爱和徘徊于失落回忆的歌词被精心雕刻成经典的流行旋律，使失去显得比爱情本身还要浪漫。
这是否是某场虚无缥缈的幻梦，或是每个场景都似曾相识？那些几十年前传来的流行金曲的绝唱离我们真的足够遥远了吗？还是说Cindy Lee，这位拒绝让专辑上架流媒体，使你只能在YouTube观看一段两小时不间断的视频或是去官网获取音乐下载链接的不愿屈服的艺术家，有着十足的魔力，能够从那些陈旧的旋律甚至是陌生的灵魂中提取出足以忽视时间的情感，让人沉浸在永恒的回忆当中？在《Diamond Jubilee》中，这些无序且漫长的歌曲试图通过一种奇异的内在逻辑将流行音乐的怀旧基因与实验性的声音拼贴缝合起来：迷离的合成器线条、摇滚乐的粗粝质感，以及60年代女孩组合的影子交织出一种超现实的时空感，仿佛每首歌都在破碎的镜子中倒映出一个既熟悉又陌生的世界。
你无需从头到尾完整地欣赏这张专辑（如果你能这样做的话那更好了），因为《Diamond Jubilee》并非是那种令人畏惧的难题。当每次随机收听专辑的某首曲目时，你都会收获不同的感受。专辑中的每首曲目都带有一种梦魇般的美感：无论是“GAYBLEVISION”中危险的夜晚合成流行乐，还是“Olive Drab”中破碎的迪斯科节奏，抑或是“Wild One”里令人心碎的梦幻旋律，它们都将听众置于情感与记忆的边缘地带。作为Patrick Flegel的化身，Cindy Lee并非仅仅在重新演绎过去，而是通过扭曲与重塑，创造了一种无法被定义的音乐语言。也许那些失落的追忆本身就无法被时间所掩埋，如同她在歌曲“Dream of You”中用难以辨别的声线唱道：“You're never coming back again, You lost a world I lost my friend”，这种直接且引人入胜的情感从来不需要深刻的理解力和洞察力，而是足够的同理心。
有时Patrick Flegel那柔弱却坚定的嗓音既像是失落的叹息，也像是一种不愿妥协的宣言，给这些歌曲注入了不属于任何年代的生命力。《Diamond Jubilee》不仅是一张专辑，更是一种体验，一次与遗失的旋律和难以触及的记忆共舞的旅程。它在表现情感缺失的同时，又通过音乐的无限创造力填补了这些空白。听这张专辑时，你很难完全抓住它的每一瞬间，但这恰恰是它的魅力所在：它的旋律仿佛随时会褪回那个不可知的幽灵之地，只留下关于爱与失落的朦胧记忆，反复回荡在你的脑海中。当我听到尾声“24/7 Heaven”响起时，我感受到了如同“Realistik Heaven”一样的灿烂和温暖。我不知道我究竟沿着公路开了多远，在那一刻我仿佛穿越到了那个漫长无尽的夏日，日光照得我的头脑发晕，脑海里传来的是那个不知名的闪烁的魅影，诡谲且迷人。（文/TQ）