2025 回顾 | 年度发行 TOP 30
Cover Art by 浴室傩
一年四季匆匆度过，又到了回顾过去一年的优质发行的时刻。相较于以往由于拖延症一触即发要待到农历新年才能脱出年榜，今年的 UPEE 决定将日程提早至 12 月，赶在 Pitchfork 和其余野鸡媒体之前献上过去一年内我们的推荐发行。 正如捕蛇女侠 FKA twigs 在今年让乐迷们恍然大悟——滥发也可以这么好听，我们将在 12 月为读者们带来一连串的回顾内容，敬请期待。
年榜的单曲部分由于不可抗力取消发布（没做完所以没有彩排，不会有内部 List 流出，还请读者们放心），每位读者的年榜单曲版订阅费用款项（共计 0 元）会在 7 个工作日内原路退回，感谢尿渍们的体谅。
UPEE
No. 30 EUSEXUA Afterglow
FKA twigs (Young)
分享一下我的美颜参数：磨皮100，清晰100，美白100，瘦脸100，小头100，窄脸100，v脸100，瘦颧骨100，瘦下颚骨100，下巴减100，大眼100，瘦鼻100，眼距100。（文/KFC wings）
No. 29 Getting Killed
Geese (Partisan)
全篇充斥着对 Tim Buckley 在声音与结构上相辅相成的致敬，破碎的器乐编排与神经质的演唱带来了听感上难以驾驭的紧张焦躁，极具张力的实验段落与悦耳的 Americana 与 70 年代乡村摇滚底蕴融合在自我解放的主题当中，如同一颗子弹正中眉心。（文/李友前）
No. 28 Addison
Addison Rae (Columbia)
爱纽约爱纽约爱纽约爱纽约。对这张专辑来说，最重要的也正是这种无需言明的都市氛围感。轻巧的制作如水般托起她清透的声线，将其骨子里的慵懒与忧郁蒸腾至极致。很明显，她热衷于营造一种特殊的 Vibe，并且她做到了——代价是词曲化作了高度精准的氛围服务工具，如手术刀般割舍了冗余的自我剖白。然而，恰是这种高度克制的美学，反成了专辑最锋利的武器：迷乱的千禧节拍与梦呓般的唱词，在宝莱坞色的复古脉冲中描绘出一幅爱迪生的音乐肖像。专辑中对千禧年舞曲与复古节拍的致敬随处可见，Addison Rae 成功地将它们转化成了属于自己的东西——褪去了原本的炫酷与活力，赋予它们一种柔和、闪光，与幸福的忧郁感。从致敬打雷姐饮料美学的 “Diet Pepsi”，再到忧郁的Trip-Hop “Headphones On”，这张专辑与其说在讲述一个闯荡名利场的故事，不如说在构建一个可以沉浸的、将生活当作艺术品打量的、脆弱的感性世界。（文/浴室傩）
No. 27 no scope
crushed (Ghostly)
继承了上张《extra life》的 Dream Pop 与 Trip Hop 特质，来自洛杉矶的独立电子摇滚双人组合 crushed 把声音降落在更加柔美完整的缓拍独立流行区域当中，《no scope》从开场的碎拍与清亮吉他段落展示的独立摇滚能量再到专辑更深处氛围化沉缓的电子脉络展示着乐队在写作上的长足进步，一扫前作的阴郁与沉闷，全身投入悦耳流行旋律与流畅演唱所编织的独立流行景象。（文/李友前）
No. 26 Big city life
Smerz (Escho)
注目于城市生活的动态和变化，游弋于具有暗潮感的极简化编排中，带来低调而具有信息量的编排。将 90s Trip Hop、欧陆 Neo Psych 糅合进繁复的色块之中，Smerz 在《Big city life》中以一种内敛而饱满的方式演绎了她们对 Art Pop 的理解，延伸于贴切的观察与体悟之上。（文/石田吉藏）
No. 25 New Threats From the Soul
Ryan Davis & The Roadhouse Band (Tough Love)
在《New Threats From the Soul》中，Ryan Davis 再次证明了自己是当代美国独立音乐中最具文笔与灵魂的创作者之一。他那低沉、带着砂砾质感的嗓音令人不由得联想到 Bill Callahan 的那种“我从不讲故事，我本身就是故事”的存在感，充满了岁月与经验的分量。Ryan Davis 的歌词是整张专辑的核心与灵魂。那些看似漫不经心的句子常常像箴言般深刻，既具备诗意的模糊，又蕴含着惊人的洞察力与开放性。他以一种近乎自由放任的方式构筑了自己的语言世界，让听者在反复的聆听中不断捕捉新的意义与隐喻，这是现代民谣与摇滚歌词中极为罕见的深度。专辑整体以七首、平均八分钟的篇幅展开，这种篇章结构并非出于炫技或史诗化的野心，而是这位艺术家音乐表达的自然延伸。民谣与乡村、摇滚与即兴在其中被精妙地编织到一起，使每一首歌都在细节与情绪的流动中自然而然地推进。他让文字与旋律互为呼应：既悦耳，又意味深长。《New Threats From the Soul》是一张成熟而深邃的作品，它以惊人的文学气质与音乐张力并行，既展现了 Ryan Davis 独特的创作逻辑，也为当代另类乡村摇滚书写下了新的里程碑。（文/TQ）
No. 24 Blue Moon Safari
Air & Vegyn (Parlophone)
知名电子厂牌 PLZ Make It Ruins 主理人 Vegyn 于今年初发布的与 Air 合作的经典专辑《Moon Safari》重制再版作《Blue Moon Safari》或许是今年你能听到的最令人感动的，兼具温暖与触动，同时极致契合 Air 原作与创作气质的一张致敬之作。晶莹剔透的 Indietronica 声响在 Vegyn 的手中拥有更明确、稳固的形态，充满结构感的节奏嵌入成为《Moon Safari》获得即时感的来源，也成为保留双方制作人本身精神的线索。《Blue Moon Safari》仿佛证明那些深深具有“00s”烙印的千禧 Indietronica 对于当下而言并不仅仅是假以怀旧的物件，仍拥有可解读与可纳入的空间。（文/石田吉藏）
No. 23 caroline 2
caroline (Rough Trade)
温暖氛围、更具旋律感的写作与和声，在声音实验与室内后摇底蕴之间有完全的情绪流露，caroline 在乐队的第二张专辑中以一种轻体量、小视角的方式将他们的音乐语言刻画出最凝炼的形态，同时不流失任何他们想要呈现给听众的内容。 正如有乐迷提及的，《caroline 2》所呈现的犹如 Dirty Projectors 的戏剧张力，caroline 在这张作品中以一种不具有压力的方式将信息流安放进编排里的听感刺激，提炼出轻盈而澄澈的美感与令人惊喜的比前作更进一步的，亲切的、可接近的整体氛围。 不好论与前作相比的在易听层面的更进一步是失或得，但显而易见在变化与层次之间起伏穿梭的声响设计仍在延续 caroline 一直以来的审美与理念，并找到了更为自洽的方式。（文/石田吉藏）
No. 22 hopefully !
Loyle Carner (EMI)
Loyle Carner 四张专辑的成长历程如一篇从少年行至成年的长诗，由青涩时期的压力再至身份议题、家庭关系对担当的思考，让他的艺术形象在成为父亲后的《hopefully !》里达到了更进一步的完整和赤诚。Loyle Carner 将饶舌本身比作他的伪装和保护色，却在今年的作品中以一种更放得下的姿态对待他的情绪和感受，在可以放松的收听体验中让听众得以走近他的困惑、不安和真实。（文/石田吉藏）
No. 21 Tranquilizer
Oneohtrix Point Never (Warp)
“让丑陋的平庸的声音保持丑陋和平庸”是这张专辑的主旨之一，Daniel Lopatin（Oneohtrix Point Never本名）在采访中提到。这张专辑大量地以温暖的黑胶炒豆声（或者火柴声、白噪音）铺底，让在网络上被人遗忘的素材如流水般流动在轨道上并有机结合，正好应了专辑标题——Tranquilizer，镇静剂。在把听众拉进舒适的梦境中后，这张专辑不同的歌曲还有着不同取向，比如 “Modern Lust” 中堪称神来之笔的爵士元素一步步把人拖进更深层次的沉浸体验、”Verstigel” 张扬低频和宁静辽远氛围的配合、”Waterfalls” 充满东方特色的设计。每一个灵动的 beat switch 也是这张专辑“不是纯概念性”的宣言，如 OPN 所说，这是一张放松和睡眠的专辑，也是一张唤醒的专辑。比概念和音乐本身更重要的是，这些素材如何唤醒和连接听众记忆中的美学角落。（文/洋洋妈在吃）
No. 20 DAISY
rusowsky (Rusia IDK)
Rusowsky 的专辑《DAISY》听起来像是一台失控但极其温柔的机器：节奏怪诞、结构跳脱，却总能在混乱里露出一丝真心。他把狂躁的电子、柔软的钢琴、Y2K 的流行记忆和奇想声效揉成一锅怪味甜汤，既能让人想冲进人群，也能在深夜里突然安静下来。就像另一位马德里超凡实验流行大师 Ralphie Choo 一样，继承着 Frank Ocean 的抽象以及内省，用各种奇妙的方式描绘出自由、黏人、凌乱又可爱迷人的魅力。（文/TQ）
No. 19 After EP / EP 2
After (Ultraworld)
After 的音乐如此动人，是因为他们总能用近乎透明的声音丝线，把无数人关于世纪初的模糊记忆精准缝制成一件轻盈的新衣。After EP/EP 2 中，2000 年代特有的 Frutiger Aero 美学与 Trip-Hop 的迷离质感，被他们打磨得光亮如新。这一切绝非对旧时代的拙劣仿制，而更像是有人寻获了一枚满载未发表 Demo 的旧 U 盘，用当下的技术与审美重新解构，让那些熟悉的合成器音色与粗粝节拍，焕发出亲切的光泽。或许音乐编配有些简单，加上对过去的美好不假思索，这张专辑并非很多人心中的优秀复古作品。但更少的轨道与平静的情绪反而复现了古早数字美学中那份可贵的单纯与直接：After 是在寻找古早美学的一种可行路径。他们不仅娴熟掌握了某种令人心醉的音色，更不断拓宽着千禧美学的边界。对于所有怀念旧日幻梦、又渴望新鲜刺激的耳朵来说，这两张 EP 是一次迷人的抵达。（文/浴室傩）
No. 18 Under Tangled Silence
Djrum (Houndstooth)
Djrum以诗意构筑着他精微而恢弘的电子音乐宇宙。在《Under Tangated Silence》中，古典钢琴乐句、地下俱乐部音乐的身体性与即兴爵士的迷乱等等以极为优雅与新颖的方式融为一体。合成器、多种弦乐、孩童嬉戏声以超脱于传统电子音乐的行进方式编织成一张既喧嚣又宁静的细密声网，极具呼吸感、灵性与流动的、闪光的美感。是十分珍稀的技术与灵魂同等丰沛的杰作。（文/浴室傩）
No. 17 Anyway
Anamanaguchi (Polyvinyl)
乐队专辑封面来自著名乐队 American Football 封面取景地，Anamanaguchi 完成了他们最自然、也最出乎意料的一次转身：不再以 chiptune 的华丽声光作为主导，而是以一支真正成熟、经年累月巡演打磨出的独立摇滚乐队姿态出现。专辑在怀旧与现实之间保持着独特张力，像是他们把往昔的像素世界装进现实的房间里，让粗砺、甜蜜、失落与倔强在更广阔的音乐框架中重新排列，呈现出一种比过去任何作品都更真实、更踏实的魅力。（文/TQ）
No. 16 Bugland
No Joy (Sonic Cathedral)
在《Bugland》中，No Joy 延续了她对噪音与旋律并存的兴趣，但凝炼成更加饱满、更加直接的方式。吉他、电子声和厚重的质感不断往外倾泻，让歌曲显得强势但不失柔软的边缘。这使得整张专辑听起来像在回望某个模糊的 90 年代记忆，却没有过于沉溺在怀旧情绪当中。她把这些华丽又天然的元素，重新拼成一种明亮又有点怪异的当代之声。（文/TQ）
No. 15 Disiniblud
Disiniblud (Smugglers Way)
这是意料之外却情理之中的合作，Nayar在《Heaven Come Crashing》中隐约展现的极繁主义与极低音特质在这里被Keith恰到好处的怀旧氛围柔化。核心曲目 “It’s Change” 中的敲击音色与键盘旋律、以及零星地犹如孩童呼唤的人声，轻松就能唤起听众对往日的迷思。（文/诺顿坎贝尔）
No. 14 HAGEN
Titanic (Unheard of Hope)
Mabe Fratti 与 Héctor Tosta 在这张专辑中构建了一个充满神话质感的场域，大提琴的嗡鸣始终作为重力中心，牵引着诸多音乐元素。”Lágrima del sol” 撕裂决绝的吉他与 Fratti 有点“童趣”的人声对峙，这一对峙在专辑后续的诸多曲目中也得到延续，甚至演变出 Kate Bush 般的戏剧张力。其实很难想象这会是来自墨西哥城的声音，听感上与丹麦先锋场景的相似不言而喻，当然 Mabe Fratti 个人的音乐也如此不可思议——以朋克思路对古典乐下刀，Titanic 不是第一个这样做的，但他们的作品提供了一个绝好的思路，延拓了 Art Pop 的边界。（文/诺顿坎贝尔）
No. 13 DeBÍ TiRAR MáS FOToS
Bad Bunny (Rimas)
No. 12 F*CK U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL BUT UR NOT!! <3
Skrillex (OWSLA)
Skrillex 于愚人节突如其来的专辑《FUCK U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL BUT UR NOT!! <3》以 34 首曲目塞满 46 分钟的极限密度，以 Skrillex、Virtual Riot 等人的风格基底，在 Dubstep、Drum’ N’ Bass、trap与 UK Garage 的节奏间疯狂跳跃，与此同时保留着高保真混音与无缝衔接，使作品兼具惊喜、高能与完整度，一把把听众们拽回了戴着入耳式第一次听Dub的那个纯真、瞳孔地震的夜晚。（文/浴室傩）
No. 11 Gut
Baths (Basement’s Basement)
睽违八年，Will Wiesenfeld 在《Gut》中为 Baths 注入了前所未有的实体感——摇滚三大件、弦乐的引入、受 00 年代启发的独立摇滚肌理，以及更为锋利的吉他织体，让过去密集的电子乐处理让位于词曲写作本身。其中，”Eyewall” 的 solo 段落闪现着 Arcade Fire, Death Cab for Cutie 的忧郁质感；”Sea of Men” 反复的旋律、涟漪钢琴与鼓点之间的有着极强的情感张力。（文/诺顿坎贝尔）
No. 10 Fleeting
Unflirt (Fader)
Christine 在这张EP中展现出一众东亚族裔音乐人绝佳的旋律掌控力，实话说很久没有听到这么极致的旋律写作了，也不必说 EP 后半段对 Baggy / Dream Pop 质感的探索也尤为出色为词曲增色更多。”Sopro” 效果器加持下极具美感的吉他织体、还有 “Next to You” 副歌中精巧的旋律线条,许多曲目都有着 Clairo 早期作品中的 Indie Pop 敏感度,也在个别曲目的细节之处推进至更具冒险性的摇滚声音。（文/诺顿坎贝尔）
No. 9 La Brea
Hesse Kassel (Self-released)
饱含情绪张力的演唱（念台词）与器乐上趋于前卫摇滚的审美导向让专辑本身的音景构建与要素堆叠完美收束在艺术摇滚的框架之内，沉重的噪音墙与压抑窒息的念白闪烁着后摇滚与情绪音乐的特质，而 The National 式沉缓迷人的独立摇滚旋律则是藏匿在吵闹 Prog Rock 下的真诚底色。（文/李友前）
No. 8 ندى الشاذلي
Nadah El Shazly (One Little Independent)
开场梦幻细腻的 “Elnadaha” 中层层叠进的竖琴与电子雾气到 “Banit” “Ghorzetein” 突转的断裂节拍与低频，再到同名曲回归她惯常的诗性表达，Nadah El Shazly在《Laini Tani》中用电子合成器、人声即兴与中东原声乐器建构出了一个具有张力的声场。她把童年收听传统阿拉伯歌谣回荡在开罗的水泥楼梯间的记忆，与后来在蒙特利尔的地下电子和实验噪音场景中汲取的养分融合，完成了一组围绕身份、空间与个人情绪的声音实验，其中夹杂着乡愁、漂泊、不安与希望的复杂情绪——那是一条连接过去与当下、乡土与移居地的桥梁。（文/杰克甲）
No. 7 Raspberry Moon
Hotline TNT (Third Man)
在他们的第三张专辑中，Hotline TNT把他们一贯的毛躁旋律和柔软情绪推到更敞亮的空间。《Raspberry Moon》是一支本就精湛的乐队仿佛第一次真正挥出全力。粗糙的吉他拨弦依旧迷人，却被更清晰的层次托住；歌曲续写着困惑、爱意与那些无法言说的小瞬间，却呈现出更直接、更不遮掩的力量。它既保留了独立摇滚和 Shoegaze 的颗粒感，又带着某种让人意外的开阔与温度——像是从地下场景一路长到舞台中央，却依然保留原始的心跳声。（文/TQ）
No. 6 precum
Ayesha Erotica (Self-released)
直截了当的 Slut Pop 文本配合粗糙低成本的制作听感，在 Timbaland 为 Nelly Furtado 打造的媚男音乐和 Kylie Minogue 的大女主音乐里带来 00 年代回潮的质地，比 Kim Petras 和 CupcakKe 更接近于“Internet Hardcore”的直接印象。Ayesha Erotica 和 MkX 在这张毫不怯场的全长专辑中有拳拳到肉的力度。（文/石田吉藏）
No. 5 Oh!
P.E. (Wharf Cat)
作为世界独立音乐场景中难得的多核乐队之一，在他们的告别之作《Oh!》中，P.E.为他们生涯中一贯复杂而层次分明的爵士编排进一步赋予舞池能量,完成了一次令人惊叹的自我总结。从Eleanor Friedberger客串的”Color Coordinator”所散发的欢快律动,到”The Fiction Writer”的温柔二重唱,再到”Purple On Time”中极其怀旧的旋律写作,这张专辑展现出惊人的张力——合成器与萨克斯音轨间充盈着流淌细腻的情感,保持声音张力地同时不失动听。他们无异贡献了纽约地下场景中一段无可复制的音乐记忆。（文/诺顿坎贝尔）
No. 4 Revengeseekerz
Jane Remover (deadAir)
Jane Remover 似乎永远不会停止带给听众惊喜。从首专《Frailty》的情绪化 screamo 到《Census Designated》民谣风格的 Shoegaze，以及前段时间通过另一个艺名发行的独立摇滚专辑，新专辑《Revengeseekerz》是一场令人意料之中的欣喜。这是一张融合了 digicore、hyperpop、电子噪音和实验嘻哈等风格的实验流行作品。甚至它不该被肤浅地定义，而应该是某种难以琢磨的不定形的新声音。当然《Revengeseekerz》绝非简单地流派融合，它的成功来自多样的音乐元素的娴熟运用，各种合成器声音和人声的情绪演绎。与嘻哈歌手 Danny Brown 合作的 “Psychoboost” 以宝可梦进攻招式命名，结合了数字过载、尖叫和怪异的制作，以及游戏《马里奥赛车》的声音采样，听起来既暴力又脆弱。歌曲 “Dreamflasher” 中“A thousand people scream my fucking name”和 “Fadeoutz” 的“I feel love just like a pop star”，表达了 Jane Remover 对成名后的复杂态度。 “Dancing With Your Eyes Closed” 的 hyperpop 声响充满活力和能量，”JRJRJR” 旋转的合成器和 Jane Remover 挑衅般的说唱歌词是充满颤栗的收尾。“我并非信教者，但我认为拥有宗教一般强烈的信仰很件很棒的事”，Jane Remover 接受采访时说道。专辑歌词里不乏与上帝有关的宗教叙述，它们更像是 Jane Remover 对世界的对话，一种心灵交互的沟通。这就是 Jane Remover 等 Z 世代音乐人在信息化时代不愿受流派和期望限制的愿景，时髦却不失真诚，他们通过不懈的声音实验传达自身独特的艺术形象。（文/TQ）
No. 3 choke enough
Oklou (True Panther)
自 10s 年代末以来 Trance 音乐的复兴在 Y2K 美学的带领下已经不再是一个陌生的话题和隐匿的趋势。从 PC Music 所引领的带有强烈 Y2K 印记的 Hyperpop 运动以及瑞典的 Drain Gang 团体，到全球地下俱乐部中 Trance 风潮的席卷以及实验电子音乐场景中对 Trance 音乐的各种解构与重塑（例如 Barker、Caterina Barbieri、Lorenzo Senni、Koreless 等），甚至再到主流乐坛与商业EDM，Trance 的身影可谓无处不在。当然如今的制作人并不是完全照搬00 年代商业 Trance 音乐的那一套已经被复制烂了的美学，而是在以各种不同的方式去把 Trance 音乐中的经典要素融入到个人风格中。Oklou 的 debut 《choke enough》 则是我听过的将 Trance 音乐融合得最为灵动与新鲜的一张专辑，标志着近些年来 Trance 复兴运动的一个新巅峰。我从未想过竟然有人可以把 trance 音乐做得灵成这样，这一切都少不了她的创造力以及专辑三位 PC Music-related 的制作人（Casey MQ、A.G. Cook、Danny L Harle）多年来的沉淀。音乐的声景对于她来说就是一种微观的小型花园，去进行人为的造景和精细的雕刻，向其中不断添加丰富且充满生机与画面感的声响细节。每一个音色都有其独特的芳香与质感，构成了这个微观花园中的一处处景观，并代表着某段回忆中的朦胧画面的特定感觉，达到用声音进行通感的效果。你可以轻而易举地发现专辑中只有一小部分的曲子有着比较明显的节奏，这就让合成器成为了主导，所有的音色也都捏得极为美妙，轻盈且透着梦幻迷离的微光，怀旧的同时又很有未来感。偶尔加入的原声乐器进一步丰富了声音的纹理，而精炼、简约又干净的声轨细节也使得所有声音都可以在这个精致的声景空间内似空气般自由流通和漂浮。但当 Harvest Sky 后半部分 beat 逐渐变得动感起来并成为聚焦点的时候我差点被惊艳到大叫出来，不过这种曲子一旦多起来就变俗了，所以她这种安排真的十分巧妙得当；最后以一首抒情吉他曲收尾效果也很感人。而对于这张专辑的旋律，她更显得像是以一种毫不费力的姿态便完成了创作，听起来十分轻松与自然，又不失真诚和平易近人的可共鸣性与亲密感。流行音乐、氛围音乐与 trance 音乐在此交织成一种怀旧梦幻却又超现实的花园式景观，这是一门关于声音的艺术，只有极少数的人才能够将其真正掌握并精通，而 Oklou 便是其中之一。（文/Pablo）
No. 2 SickElixir
Blawan (XL)
Blawan最珍贵的特质之一，即作为一般只出现在乡村音乐的帅熊这次出现在了优质的电子音乐中，让笔者和一众洗熊妹兴奋不已。经过前几张EP对于声音设计的探索，这次的全长更为工业和成熟，营造了一种相当诡异又机械的氛围。在被刻意修低如巫师低语的人声和放肆粗粝的低频中，你似乎能感受到 Blawan 粗糙的大手在摩挲着你身上最柔软的皮肤；而不规整的节奏和隐藏于噪音背后的抓耳律动揭示了这段音乐冒险的愉悦本质。这份两面性恰好契合了 Blawan 本人带来的直观感受：宽肩厚背、野性的毛发、硬朗的轮廓透露着他硬汉的气质，仿佛每一次低音震颤都带着他的雄性荷尔蒙；圆圆的眼睛和口音又展示着温柔和可爱（天呐，尤其是他和宠物狗出现在一起时），谁能想到他快40了？（文/洋洋妈在吃）
No. 1 I Love My Computer
Ninajirachi (NLV)
在 2025 年，自小浸润于异彩纷呈网络世界的一代人已经足够成熟去回望并总结他们的人生——在这一世代之前，从未有人在如此庞杂、纷繁的信息洪流中长大,配以卧室音乐的全球兴起，共同催生了这注定创造力井喷的一年。回望来路，千禧年的电脑世界如梦似幻，如同廉价的泡泡糖，廉价却也充满可能。它充斥着盗版资源（FL Studio 免费资源）与黄暴的暗影，危险却真实；它将个体命运与所有屏幕触及的远方相连。纵然超能与神秘，电脑的形象在 2020s 之前整体是带着善意的，它曾创造出近乎无限的机遇，是自由与可能的象征，与如今 AI 所带来的失业潮与存在性焦虑大相径庭，而《I Love My Computer》就是一封写给电脑的情书。在专辑中，Ninajirachi在各种电子曲风间自由游走：EDM、Hyperpop、Dub、Complextro 与 “All At Once” 中的 Deconstruction Club 与拉美节奏等等，然而最惊艳的是在于对 EDM 风格的巧妙的内化与重塑：10s 的 EDM 很多都因过于宏大与白男而十分空虚与中二，而她将 EDM 的骨架——那种建立在悬念与释放之上的情绪结构拆解开来，结合前沿的舞曲风格与声音设计以构筑极其私人的情感空间，把一种原本属于集体狂欢的音乐语言，成功地转化为了动听的、Otaku 少女式的卧室对话。从 iPod 到 MacBook、从 iPhone 到iPad，电子产品的飞速发展带给世界带来不断向前的活力与希望，也记录着一代人的成长历程，只是当时，我们浑然不觉其独特性：青春期某次令人心跳加速的“iPod Touch”体验，或那张发出又秒删的短裙照片——彼时只以为是电子消费品时代一个平凡的瞬间，多年后回望，当年的设备早已绝版，心境亦不复单纯。显然，电子产品已然成为这一代人最亲密的共谋者，而Nina 的音乐将这种幽微的连结完美地具象化了。太好听了，《I Love my computer》让所有在屏幕光芒中长大的女孩男孩看到：那个理解你、记录你、承载你最初爱欲与创造的电脑，早已超越工具属性，成为我们共同青春里的沉默爱人，且在日复一日的对视中，我们也不知不觉长成了与电脑彼此塑造的形状。不多说了 fuck my computer 去了。（文/浴室傩）