专访 吴卓玲 | 在音乐中思考存在
2026-04-08
从地球末日到星际远航，吴卓玲以《Uncharted》系列构筑一场关于人类与宇宙的听觉寓言。时隔三年，《Uncharted II》延续未知探索，在电子、IDM 与 Trip Hop 的交织中，完成从迷茫到释怀的叙事轮回。恰逢与 SHAO 开启「声光折射」巡演之际，UPEE 有幸邀请吴卓玲进行一期专访，一同走进她的星际音乐宇宙，聆听创作背后的哲思与对现场的全新探索。
UPEE：你在 2023 年发布了《Uncharted》系列的第一张 EP，之前的那张 EP 叙事基于对地球以及人类未来的神秘探索，这个叙事在这张 EP 中也得到了延续，可以分享你是如何想到这样一个命题的吗？
吴卓玲：这其实算是有点巧合，一开始我做新 EP 并没有想过要接着上一张《Uncharted》的故事讲。做完之后正好也是四首曲子，那段时间我一直沉迷玩《星际拓荒》这个游戏，就在这样的状态下完成了这四首歌。第一首用了类似无线电信号的音效，我把它命名为《The Signal》，灵感就来自游戏情节。后面三首也都是在游戏画面与情节的情绪下创作的。整张 EP 完成后还没确定名字，直到去年夏天，我决定把新 EP 和旧的《Uncharted》一起发行 Double LP，发现故事刚好可以衔接，于是就定名为《Uncharted II》。
UPEE：对应到视觉的部分，我们注意到唱片封套里面有八颗星球，对应两张 EP 的八首曲目，这些唱片插画以及初稿都是由你自己创作的，可以分享你是如何想到这样的画面的吗？以及它更多的内涵？
吴卓玲：因为《Uncharted II》和第一张 EP 在故事上是衔接的，我梳理后发现正好有八个小故事。
Uncharted I
1. 瞭望塔 The Watch Tower
- 经过了一场大瘟疫后，地球上战火四起，冲突不断。人们在各处建立了防御性的设施和高耸的瞭望塔。有一天，在瞭望塔上值守的人突然看见远处的城市上空升起了一朵蘑菇云。
2. Station 2020
- 大战之后地表全是残垣断壁，地球的环境已不再适合人类生存。幸存的人类开始向唯一功能完好的太空发射站2020号集结，准备告别家园，启程太空。
3. 海王星环 Neptune Rings
- 经过多年探索，人类的足迹已遍布太阳系，但却没能找到适合定居的新家园。在飞船经过海王星环时，人类的技术取得了进展，终于发现了突破柯伊伯带的办法，于是人类决定冲出太阳系，进入真正的深空。
4. 旅行者 Voyager
- 脱离太阳系后，人类成了在太空中游荡的真正意义的旅行者。很长一段世界，飞船孤独地在虚无的深空中漫游，远离一切星系。逐渐对自身的存在和意义产生了迷茫。
Uncharted II
1. 信号源 The Signal
- 某一天，飞船在扫描深空时，意外接受到了一串神秘信号，它的来源和意义引发了人类的极大好奇。为此人类决定全力组织一次探险，誓要探明信号的来源。
2. 恒星实验室 Solar Lab
- 为获取高效星际探索所需的充足的能源，探险队在某颗小型恒星附近建立了一座恒星实验室。他们在此研究恒星能量提取技术，同时开发温室种植作物，构建生态系统。在此期间，人类科技实现了飞跃式发展。
3. 跃迁 Warp
- 为了抵达信号源，必须通过星际跃迁。这项技术成为人类发展的瓶颈，因其涉及黑洞探索、时空本质乃至宇宙本源的破解。历经数代人的探索和研究，科学家终于找到了一种高风险的解决方案——进入黑洞内部。
4. 盖亚之息Gaia’s Breath
- 这次尝试意外地成功了，探险队的飞船通过黑洞到达了一个仅存一颗行星的未知空间。当他们接近那颗行星时，发现这颗行星拥有轻柔的海浪，温暖柔和的光线从星球内部散发，天空中四处回荡着的美丽的歌声。原来整个行星就是一个智能生命体——它的名字叫盖亚，它此刻正在呼吸。最后探险队的飞船潜入海洋，与盖亚融为一体。
春节期间我和设计师朋友沟通，想把这些故事用画面呈现，他建议我先画草图，再由他统一风格。内页八张小图如同月相明暗变化，封面也呈现了八首歌的代表性意象：Solar Lab 的恒星、海王星、名为 Voyager 的飞船、虫洞等。这一版封面没有明确画出地球，我手绘的另一版则画了残破的地球，象征末日；封底是飞船穿越虫洞、飞向盖亚的画面。我希望用视觉呈现故事，但不做得过于直白，留给听众自己理解与思考的空间。
UPEE：这张 EP 的创作跟前一张几乎是完全独立的，是创作完之后才关联到之前的叙事中。两张发行间隔了三年，你觉得之前的创作状态和这张的创作状态有什么不同吗？
吴卓玲：从创作技巧来说，现在肯定是成熟了很多。上一张 EP 还能感受到乐队音乐的影响，用了很多吉他、鼓，是更加后摇的编曲方式，到最后一首《Voyager》才偏向电子乐，那四首歌是在跨度比较大的时期里完成的。三年后做新 EP 速度很快，大概一周就完成了四首歌，情绪和状态非常统一，也使用了新的乐器与编曲手法。以前做 EP 更像摸索尝试，做很多不同类型的音乐再筛选出四首；现在目的性很明确，想要明亮欢快、或是低沉厚重的贝斯情绪，都能轻松实现，创作把控力比以前强很多。
UPEE：这三年现实生活发生了很多事件，比如 AI 风潮和各种变化，这些现实事件会对你的创作带来什么影响吗？会具体体现在这张 EP 当中吗？
吴卓玲：潜移默化的影响肯定存在。这三年世界变化巨大，大家都能感受到大事件即将到来，格局面临改变，充满不确定性。我在新歌里也探讨了更宏大的问题，新 EP 更多围绕 “我们到底要去哪儿” 展开，那个神秘信号像是线索，指引我们思考宇宙的真相、人类离开地球后的命运。当下 AI 快速兴起，很多人说人类只是新物种 AI 的引导程序，这让人震撼，也迫使我们思考存在的意义——是不是要把地球破坏到无法生存，才懂得它的珍贵。我们处在关键的时刻，却依旧冲突不断，这些沉重又现实的话题，都融入了这张 EP 的创作里。
UPEE：作品基于未来、宇宙这类概念，听众可能会觉得空泛遥远，对现实是隐约回避的姿态。你在呈现这两张 EP 的叙事时，持什么样的情感？是悲观的吗？
吴卓玲：其实并不悲观。《Uncharted I》确实带有悲观基调，叙事里因为瘟疫、战争迫使人类离开地球；但到了《Uncharted II》，尤其结尾藏着不一样的含义。我原本只写飞船潜入盖亚的海洋，设计师完成封底后，我发现盖亚行星被大气层包裹，远看像一颗卵子，飞船则像精子，穿越虫洞抵达的过程，隐喻着人类以类似受孕的方式孕育新世界，完成一场轮回。最终是领悟与释怀，明白存在的意义，整体情绪平和，并非悲观，更像是宿命与更高维度的安排，我们只是其中微小的一环。
UPEE：你期待听众听到这八首曲目时，对叙事和概念有什么样的解读？你的音乐很欢迎听众投射自己的理解和感受，你希望听众通过这张 EP 收获到什么信息？
吴卓玲：我都很开放。听众单纯喜欢音乐可以，由画面展开自己的想象、探讨宇宙与人类的命题也可以。我只是想用音乐和画面把故事讲出来，无论大家关注音乐本身，还是延伸讨论人类未来，我都觉得很好，也能引发更多话题。
UPEE：作为电子场景里非常有影响力的音乐人，你对 AI 生成音乐有什么看法？
吴卓玲：目前 AI 生成音乐对我影响不大，它现在更多用于制作功能性、程式化的背景音乐，比如商场、理发店的氛围乐、助眠音乐，不需要灵魂与情感，只起到舒缓或烘托环境的作用，用 AI 生成可以节省人力。但 AI 始终无法表达真实的人类情感。
不过我也感觉，未来制作人手动制作音乐的时代可能也会慢慢过去，工具越来越发达，制作人的核心会转向审美把控——指挥 AI 做出想要的效果，省去录制、修改的琐碎工作。但如何让 AI 精准实现想法、传达审美，我认为会是我们未来需要研究的重点。
UPEE：你的现场演出场景很多元，有山中自然现场、Ark Space 这样的特殊建筑空间，也有半空这类强城市感的场景。你会如何形容现场音乐和具体场景的关系？
吴卓玲：核心是看场合提供对应的能量。在 Live House 或正式音乐会，是完整的表演，观众专注欣赏每一个转折与技巧，像看一场戏。在半空这类休闲社交场景，音乐更像背景，和环境一起营造声音场域，选曲与表演不用太细致，让听觉与视觉融合，观众享受氛围即可。在 Club 里，则要输出高能量的舞曲，让观众专注舞动、释放情绪。总结来说，就是根据场域，提供匹配频率的能量给听众。
UPEE：你马上要和 SHAO 一起开启 “声光折射” 内地巡演，SHAO 的音乐偏向 Techno，《Uncharted II》则包含 IDM、Trip Hop 元素，这次巡演会在现场呈现什么样的状态？
吴卓玲：这次巡演加入了很多视觉内容，希望做成完整的 audiovisual 演出。我们的音乐都比较抽象，在 Live House 表演需要视觉看点。我和 SHAO 是多年好友，审美高度契合，虽然他偏向 Deep Techno，我的音乐更氛围、柔美、都市化，但整体不会突兀割裂，注重整场演出的整体性，如同阴阳两面，本质是审美统一的电子乐。
UPEE：你已经在很多不同场景表演过，有没有哪个具体场景是你之后想要尝试的？
吴卓玲：这一轮Live House巡演对我来说就是新尝试。我以前大多在 Club、户外派对或氛围音乐会演出，在Live House的经验不多。国内的 Live House 多以摇滚向一点的乐队演出为主，我想在这里做不一样的探索——观众是专门为音乐而来，能在优质一些的音响系统里专注聆听。我也想突破Live House固有的模式，比如时间、灯光、舞台设计，把它变得更贴近剧院，更适配电子乐，带来更完整的观感体验。