专访 Sea Power | 遵循创作的直觉
2026-6-20
去年曾来到中国开展一轮巡演的 Sea Power 给乐迷们留下了深刻的印象。这支成军于本世纪初的乐队已经在 Post Punk、Indie Rock 的起点延伸出十分丰厚的音乐版图，并在环境、生态以及生命的思考中沉淀出重量。在泡泡岛演出后当晚，UPEE 与 Sea Power 的乐队有幸进行一期专访，我们在酒吧与成员 Thomas White、Phil Sumner、Neil Wilkinson 进行了一段对话。
UPEE：你们今天的演出非常有状态，而我们刚刚了解到你们前一日才从英国飞来，还没有调整时差，想不到你们居然可以演得这么好！
Sea Power：这就是专业精神，20年的经验积累，我们经历过很多次类似的状况。不过我当时其实也不知道具体要怎么做，我只想躺在沙发上睡觉，但你必须去开工，你要做一场好演出，想把演出做到极致。所以即便你已经24小时没睡了也得设法让自己进入良好的状态。
我觉得对于 Sea Power 来说，非常重要的一点，也是我们和很多其他乐队不同的地方在于，乐队里的每个人都会让其他人做自己的事情。大家都只是管好自己正在做的事。这种做法的累积效应就是音乐和声音被创造了出来，但期间没有任何人需要去像保姆一样照看别人，或者互相打扰。每个人都专注于自己，然后整个事情就水到渠成了。
UPEE：对于专场来说你们会怎么选择歌单？毕竟你们是在为特意来看你们的观众服务，歌单有什么特殊之处或者让你们特别注意的地方吗？
Sea Power：专场的歌单就像带你经历一段完整的旅程，去诉说一些东西。而在音乐节上，你可能只有两到三个段落的体量。专场时你可以深入挖掘自己的曲库，曲目的选择会有可以让大家释放激情的阶段，然后也会有更大气、更有延展性、更深邃的时刻。你可以确保现场既有欢笑，也有泪水。
同时面对不同的国家，乐队不同时期的作品受欢迎程度也不同。比如在英国，乐队有着更长的历史，人们更熟悉最初的老专辑以及乐队的整个发展史。而在中国，非常明显，《极乐迪斯科》的配乐让乐队走向了全新的受众。所以自上一次巡演以来，我们能看到这方面受到了更多的关注。
去年五月在中国的时候，我们做了一些偏原声带风格的巡演，而刚刚在英国做的一轮巡演，也把我们做过的所有原声带音乐都演了，节奏会比较缓慢。我觉得我们这次可能会带来多一点的能量。之前我们演过的一些东西，中国观众的反应甚至比英国观众还要疯狂，有些特定的歌就是这样。你会吸纳这种影响。去年夏天我们在中国的经历，会像回音一样反馈给我们，让我们感觉这次和之后的演出可以变得更野性一点。
UPEE：有些接受采访的艺人会说中国乐迷可能会偏向害羞和安静，常常默默地溜走，我们好奇你们跟中国乐迷相处的感受是怎么样的？
Sea Power：在英国会有人跳水，大家会在演出的同时聊天、享受其中、无拘无束。在中国，当现场出现巨大的欢呼声后突然陷入一阵安静，这很奇特，那其实是一种“尊重”。这需要花一点时间去习惯。但当你理解了之后，就会发现这是完全相反的两个极端，你会感受到那种尊重。面对同一首歌，在英国你绝对听不到像在中国这样的现场反响。英国观众非常习惯做某些事，比如聊很多天、喝得很醉、非常吵闹，甚至做出冲上舞台这种疯狂的事。平常人们表现得更礼貌，非常规矩、得体。但是当听到某些特定曲目时，他们会比英国观众还要疯狂。所以在演出进程中，观众的反响绝对不是什么“礼貌安静的配合”，它是一场极棒的演出。
我觉得去年的观众把演出的档次提升了。这可以用那句老话来形容，“静水流深”。当我看到中国观众时，我确实能感受到这一点，这里的人们很有深度。当你和人们聊天、在这些演出中进行演奏时，你就会意识到这整座国家的人都极具深度，非常神奇。
我们在英国和欧洲做过很多现场。在某些方面，中国的一切对我们来说都是新鲜的。而且我觉得我们在中国面对的是更年轻的观众群体。我知道对有些人来说，Sea Power 的现场可能是他们人生中的第一场看演出——我还记得我人生第一场演出的场景，我当时也挺羞涩的，所以我觉得这并不奇怪。今天就有一位妈妈带着她的儿子来和我们合影。然后我们也把这位妈妈拉进来一起拍了。那个孩子是因为喜欢《极乐迪斯科》游戏才了解我们并来到现场的。
UPEE：相比多年前上一代的乐迷，现在更年轻的一代不断涌向你们。我个人听你们的第一张专辑是《Everything Was Forever》。作为一支历经不同时期的乐队，面对不断年轻化的受众，你们如何保持与他们的共鸣并融入新的声音？
Sea Power：这很有趣，取决于你自身的兴趣点。我们都会产生新的兴趣，然后你就会想把它带回到创作中。关于保持特定风格的担忧，其实我们并没有太多这种顾虑。我们总是沉浸在自己的世界里，你从不会刻意去迎合。我们制作唱片并不是为了围着某种固定的模式转，而是想让唱片变得更好。当把一切放开时，Sea Power 的状态往往会好得多。
我们不想强行把音乐塞进某种条框里。至于下一张唱片，我觉得在未来一年内不会这么快面世。传统上我们录制唱片需要花很长的时间。现在对乐迷和我们自己来说，环境有点不同了。也许正因为我们做这行已经很久了，我们能够负担得起花时间去打磨的成本。我并不觉得有什么紧迫感去催促唱片的诞生。我觉得目前的创作很不错，对我们来说很好。而它最终会变成什么，是一张完整的唱片还是其他的形式，都无所谓。现在我们只需关注当下的空间。
在 White 看来，Sea Power 是一个非常经典的榜样——只是持续不断地、踏踏实实地工作。他们不会把太多的压力押注在某一次的音乐发布上，不会指望单凭一个作品去达成你对乐队的所有期望。这种连续性以及乐队的整个职业旅程，才是核心意义所在，而不是任何单一的一件事或一个发行。这种积累最终筑成了庞大的曲库，你可以从中挑选曲目去开专场。我觉得所有伟大的艺术家都是这样，总是向着下一件事前进。作为音乐人，你总是会全身心投入到你当下正在做的事情中，但它一旦完成就过去了，你就会继续往前走。
纵观乐队的整个生涯，它的强项就在于能够历经各种时期并一直坚持走下去——无论是在关注度很高还是稍低的时期，去这里巡演或者去那里巡演。你基本上就是顺应有市场和关注度的地方去发展，而不会过度去强求。我觉得所有伟大的艺术家，无论是画家还是其他行业，都是这样做的。他们往往比外界稍微领先一步，永远在奔向下一件事。
UPEE：有没有哪些比较具体的早期作品让你们觉得“我们可以为它做一个全新的风格或版本”？
Sea Power：一直都有，我们随时都可以这么做。比如《Cleaning Out The Rooms》，它完全是一个崭新的版本。我记得最初是在2011年录制的，但现在的编曲从《Machineries of Joy》那张专辑里借鉴了一点，又从另一个版本里借鉴了一点，融合成了现在的样子。
其实我们积攒了大量的 demo 和素材。有些东西隔了几年重新看，会觉得“哇，这一小段太棒了，我们再做一次吧，做个不同的版本”。有些歌的旋律确实需要时间去慢慢孕育，就像慢火炖煮一样，当它准备好了就会自然呈现。重新审视这些过去的积累会让人露出微笑。我觉得我们乐队有一个非常好的特质，就是“拒绝过度分析”。很多乐队会陷入对自己作品的过度剖析和内耗中。我们当然也有过那种时候，但我们能跳出来。在我们的排练中，极少会出现互相批评或者苛责的情况，这非常难得，能在这样的空间里创作太棒了。如果我们过度挑剔，就会杀死创作的乐趣。乐趣纯粹在于去行动、去寻找其中的美并享受它。跳出来去批评别人可能会直接破坏掉当时创作的氛围，而实际上别人可能马上就要摸索到很棒的东西了。
多年前我去科隆的一家小型俱乐部看英国乐队 Elbow 的演出。演出完我们去了后台和他们聊天，主唱 Guy 说他们唯一坚持的原则就是：演出当晚绝对不讨论刚刚结束的这场演出。他们不拆解它、不挑刺、不分析。演完就过去，说一句“太棒了”然后收工。因为到了第二天早上，你前一晚纠结的那些“我得去告诉他那个地方演错了”的事情，基本上都已经被忘光了，你已经迎来了新的一天。这能保留住做音乐的乐趣，让大家各司其职。
当有年轻人问起对行业新人的建议时，其实有很多简单粗暴但实用的：不要对彼此过于苛刻，在创意上做你真正想做的事，不要害怕。了解自己、知道自己的定位才是最重要的。
UPEE：你们巡演过那么多城市，有没有哪一个城市让你们产生过“我想在这里逗留一个星期或一个月去好好享受它”的念头？
Sea Power：老实说，去过的大多数城市我们都有这种想法。我很幸运我们能有机会再次来到中国。同时，我们很久以前经常去德国演出，我一直觉得有点遗憾，现在我们在德国演出的地方变少了。我很想回欧洲去，那里的观众也很好，自从 20 年代以来，我们还没在欧洲怎么大办过巡演，我觉得来一轮大型的欧洲巡演早就到时候了，开着长途车穿梭在各大首都和德国的几个城市之间，那会很棒。
在中国的话，或许是重庆、广州、北京。不过每次去巡演，时间总是很赶，你刚到地方，演完完就得在第二天奔赴下一站，所以你真正拥有的时间并不多。但我们总是渴望能多待一两天到处看看。虽然我们已经非常幸运和被眷顾了，不能抱怨，但我们还是希望能有多几天的充裕时间。我们今天在天津（大概待了18个小时），上台演了40分钟。好在我们在7月和8月还会再次回到中国，从我们的角度来看，这非常释怀，我们又能来这里了。
次日早晨，我们在酒店与乐队的其余三位成员 Jan Scott Wilkinson、Abi Fry、Martin Noble 延续了这段对话，成员更为深入地分享了乐队对自身创作的理解与感受，以及对于音乐、现场等理念的体验。
UPEE：在你们的上一张专辑《Everything Was Forever》中，许多人都注意到整张专辑贯穿着一些太空摇滚的元素，听起来非常宏大、浩瀚。我们想知道，是什么样的主要灵感塑造了这张专辑的声音？
Sea Power：我想我们在那之前做的一件事是为游戏《极乐迪斯科》制作原声带。那非常具有配乐感，很有氛围感，而且有很多器乐演奏和不同的配器。所以这组声音对我们来说并不是什么新鲜事，因为我们刚刚才做过。我们在大脑中可能还在那个空间里思考——那是一个相当宏大、史诗般的声音世界，而且也因为我们乐队有六个人，我们有号角、小提琴和键盘，我们已经习惯了使用所有这些不同的纹理和乐器。我觉得这现在对我们来说就像是一种自然而然的事情了。
UPEE：纵观你们长达将近三十年的生涯，一开始我们可以注意到里面有更多的独立摇滚、后朋克元素，再到现在比较后摇质感或者配乐气质的创作。涉及了这么多风格后，作为音乐人，你们会觉得“流派”这个概念会在创作上带来限制吗？
Sea Power：我尽量不去想太多。从小到大、随着年龄增长所听的所有音乐，都会变成创作时的音乐语言。它只是以这样或那样的形式自然而然地流露出来。我们并没有真正的概念，或者说我们没有坐下来探讨说，我们要这样做还是那样做。这很大程度上是凭直觉和即兴发挥，每个人的想法都投入到中间，然后融合在一起它只是以它该有的样子呈现出来。
这可能有点两面性，因为一方面，我很喜欢那种3分钟的流行歌曲，无论是来自50、60、70年代还是现在。但有时我们也喜欢这些非常长、有点配乐感、带点前卫摇滚味道的奇特长曲。如果你喜欢两种不同的东西，可以把它们混在一起，同时朝两个方向发展。
UPEE：回到2000年代，当时有大量的后朋克复兴运动，形成了一种场景或浪潮。当你们在做那种让人们觉得属于那个场景或浪潮的音乐时，你们自己对这种场景或浪潮怎么看？特别是在你们刚起步的时候。
Sea Power：那是很久以前的事了，大约是2001年在英国。当时我不觉得有什么场景，或许在早期有些苗头，但那时我们已经发展了大概三四年，还没人知道我们是谁，我们只是在排练、做小型演出。那时候感觉没有太多事情在发生，有点死气沉沉的。有那么几支乐队，但没有形成一个像 Britpop 那样强大的场景。
当时The Libertines可能也才刚刚起步。而在美国，有 The Strokes 和 Interpol，甚至连 Arcade Fire 都还没真正形成气候。所以那就像是一个开放的、空白的空间。我们只是在玩我们青少年时期听的音乐，真的，我想比如像The Cure之类的音乐。所以我们并不觉得有一个需要去融入或拒绝的场景。在布莱顿确实有一些乐队，他们人都很好、很酷，但听起来都完全不同。比如有像 The 80s Matchbox B-Line Disaster 那种疯狂的乐队，也有像 Electric Soft Parade 那种非常年轻但很独立的乐队。所以当时有各种不同的风格和音乐在发生，大家也只是各取所需。
UPEE：到了2020年代，也有一些新事物涌现，比如像English Teacher这样的乐队。作为一支资深乐队，你们如何看待Sea Power在2020年代音乐中的位置或形象？
Sea Power：我觉得他们对我们挺友好的。但我们处于边缘，我们现在就像是在自己的世界里。我不太清楚English Teacher还有那些19岁的人是不是……他们是一个圈子的吗？我觉得他们比我们年轻一点。我认为我能保持一个很好的平衡，我很开心能身在这个世界里，但我认为我们有点像在边缘做着自己的事情。我们融入不进去，但我们也无意去融入。我们就这样存在于边缘，在这个场景中也是如此。
UPEE：注意到在你们的巡演中，舞台上也会有一些植被的装饰。如果给予合适的机会和允许所有条件，你们觉得什么样的自然环境会是录制现场声学Session或类似进行演出的理想场所？
Sea Power：是的，我很喜欢植物。无论你去哪里，比如在城市里，当路边有树木时，环境瞬间就会让人感觉快乐100倍，光是看到就能让我感到更开心。在美丽的自然场所甚至更好，比如住在苏格兰的一些岛屿上，那里有点像《指环王》或类似的感觉。 当我们刚开始的时候，我们总是在这些小俱乐部里演出，那里闻起来有些味道，不太吸引人。所以我们开始带一些树枝进去，我们一直都这么做，而且做了很多次。是的，如果我们要做现场Session，我们也绝对会想弄一些草进来。这会让一切都变得更好，看起来更美，感觉更棒。
UPEE：我注意到你们在一些非常独特、不同的地方演出过，比如在博物馆，这与传统场馆很不一样。你认为演出环境和你们的演出之间有什么样的关系？这给你们的表演状态带来了什么影响？
Sea Power：确实有点不同。我们曾经在山洞里演出过，因为有回音，所以听起来不一样，而且只是因为你身处地下。还在船上演出过，那是另一个非常特别的经历，每个地方都截然不同。我们之所以这么做，只是因为让人们为了演出聚集起来很有趣。而且每个地方都有它独特的氛围，所以会让人觉得很特别。
现在因为有了Instagram和社交媒体，人们总是为了背景好看而这么做，看起来很酷，这无可厚非。所以现在我们做这种演出的频率可能比以前更高了。但我们以前做这些的时候，根本没有人录像，我们纯粹是为了当下的体验。这让这些经历也变得更加神奇。
UPEE：你们为《极乐迪斯科》制作的原声在中国的豆瓣上获得了非常高的评分（2000多人评分的9.8分）。实际上，在你们加入这个项目之前，有些原声带的曲目就已经写好了。我们好奇从这些成品再到它们成为原声带里的声音，是什么样的制作过程？
Sea Power：游戏制作人给了我们一些角色的图片，让我们通过节奏来表达他们。这位制作人也非常有创意，所以他提供了很多想法，引导得非常好。这很有趣，因为在游戏里其实有很多和乐队相关的梗，比如和歌名、歌词之类相关的参考。也有其他乐队参与，但游戏里有很多属于Sea Power的元素，比如有些建筑物就是用我们的东西命名的。所以对于差不多一半的音乐，他会有自己的想法，比如他会说：“你能用那首旧的 B Side 吗？”因为那会让声音听起来更黑暗一些之类的。然后他会过来，拿出笔记本电脑，在这些场景里向我们展示游戏画面。我觉得过了一段时间后，我们就习惯了什么对他有用、什么对我们有用。所以这变得很自然，我们也开始创作新的歌曲。
UPEE：制作游戏原声带、电影配乐，与制作你们自己的、更像是一种个人表达的独立专辑相比，有什么不同的体验？它们之间的区别是什么？
Sea Power：我觉得现在它们正变得越来越相似。如今最大的区别我想是歌词，也就是文字。因为一旦你开始把文字放进音乐里，它就会变得更加个人化，也更加明确。但我们也喜欢纯器乐的东西，所以这需要在这些东西之间取得平衡。我更喜欢在其中加入更多的文字。这又回到了你之前提到的——你会发现有些网站更偏向那些后朋克的东西，因为我喜欢那样的音乐，你只需要把它放出来，它就能创造一种氛围，把这个世界变成一个更有趣的地方。我认为我们当时没有任何预设的期待，因为对于这个游戏，我们只是去做了，但我们并不知道结果会怎样。整个过程非常轻松，感觉很容易、很放松，似乎自然而然就成功了，几乎没有费什么力气。
可能因为《极乐迪斯科》的制作人非常称职，让我们有了这样的体验。他非常擅长把最好的东西挖掘出来。这很有意思，因为虽然他的主业是写作，但他私底下可能希望自己是个音乐人——他确实也是个音乐人，但他有点希望那是他的本职工作，而且他也非常喜欢做音乐制作。所以有时候他会帮你重新混音专辑，把所有的曲目顺序调换，然后告诉你你弄错了，它本来应该长这样，这总是很有趣。他也唱了一点歌之类的，对吧？他的声音很有趣，说话的声音很深沉，但有时候唱起歌来又非常温柔。
UPEE： 《极乐迪斯科》可能是中国年轻一代了解你们音乐并成为乐迷的第一印象。但与此同时，你们拥有不止如此的作品序列。你们如何看待乐迷对你们的这种“第一印象”？
Sea Power：这很好啊。我很喜欢，因为我们现在年纪挺大了，你其实可以就待在自己的世界里，伴随着那些和你一起成长的老粉丝。所以能遇到新面孔，并发现他们觉得我们的音乐很重要、对他们很有意义，这真的很棒。老实说，他们都是非常好的人，我觉得这个游戏吸引的是那些敏感、聪明的人。能看到他们融合在一起很有意思。特别是在英国，你去做演出的时候，你可以明显看出来“那些是老粉丝”，然后“那些是新粉丝”，他们全都聚在了一起。他们中有些人甚至会盛装打扮成游戏角色（比如Harry）之类的。所以我说这很好，充满了有趣的多样性。
UPEE：在一些曲目中，我们能感觉到Sea Power从不回避旋律性，你们有一些非常朗朗上口的歌。那么你们如何看待人声在你们音乐中的位置？
Sea Power：其实没有真正的规则，变化自然而然地发生，你只需要投入进去，让它发生就好，真的。是的，它不知道从哪里就冒出来了。万物皆有旋律，说话也是一种旋律。汉语在说话时就带有一种小小的旋律，这和英语不同，这就是旋律。
UPEE：《Everything Was Forever》是你们把名字从British Sea Power改成Sea Power后的第一张全长专辑。你们以前在一些采访里已经谈过更名背后的原因和感悟，但我们想知道，在改名以来，Sea Power 的创作状态有迎来什么新的变化吗？
Sea Power：也许是在做游戏原声带的过程中，我们习惯了有些不同的工作方式。我认为改变还在继续。虽然我们以前一直在进行实验，但我认为可能我们开始变得有点套路化了，比如遵循主歌、副歌结构，它可能会成为一种限制。所以我觉得在做游戏原声带期间，这让我们焕然一新，让我们用不同的方式去思考，让我们意识到……一首实在的好歌，没人会在乎它有没有一个宏大的副歌，人们同样会喜欢，甚至对他们来说更有意义。你开始学会去遵循自己的直觉，去做你真正想做的事。我希望我们能越来越多地坚持这样做。
UPEE：专辑名称《Everything Was Forever》来自于一本书，书名叫《Everything Was Forever, Until It Was No More: The Last Soviet Generation》（《这一切曾是永恒，直到它不复存在：最后一辈苏联人》）。你们是怎么想到选这个作为专辑名称的？
Sea Power：我们有一位不在乐队里的哥哥，他有时会和我们聊聊这些。我们会在巡演之类的时候见到他，聊聊书和类似的东西。我想他当时可能正在聊这本书，后来它被拿来改成了《Everything Was Forever》。 这就像是，它一开始在我的脑海里，可能有一些类似的东西，我稍微做了一点修改。我们本来不知道它是从他那里听来的，但后来他说“我很久以前就跟你们说过了”。我以前还以为是我自己想出来的呢，没想到还有这么个好玩的渊源。
这是一句很美的话，一个非常好的名字。它有一种阳光照耀下的诗意。然后你会到了一个点，大家会说：“我们该给这张专辑叫什么名字？”我们总是到最后才选定名字。我不知道是不是应该早点决定，但我们总是拖到最后，然后就会有成堆成堆的名字候选在脑子里转。有时候就像足球淘汰赛一样，所有不好的名字都被淘汰掉，然后剩下两三个，最后你说“得在这几个里面选一个了”。而这个名字似乎非常符合这张专辑的情绪。而且我喜欢当某些东西能和音乐之外的世界（比如电影或书本）产生联系时的感觉，因为它给作品带来了另一个维度，并与整个世界相连。这是我们能想到的最好的名字了。
UPEE：你们去年在中国进行了巡演，能分享一些让人难忘的瞬间或者深刻的记忆吗？
Sea Power：我们收到了超级多礼物，太不可思议了，令人印象深刻，我们都不敢相信。有各种各样粉丝自己制作的东西，比如3D打印的项链。还有很多画作，他们画了好多。 中国有着不同的文化，这真的很酷。比如前天有一份礼物，他们花了2个小时把我的那只羊也画进去了，因为我们有一只羊。我觉得这里的观众真的太棒了，也是我们的最爱。
UPEE： 你们觉得中国的观众和欧洲、英国的观众有什么不同？
Sea Power：在演出开始之前，这里的粉丝会更安静一些，这就是不同文化带来的差异。在英国，每个人都在喝酒，大声喊叫。而在这里，人们进来后依然很安静。第一次遇到时你甚至会想，他们是不是不太喜欢这场演出，因为太安静了。但当演出一启动，你就发现他们只是在静静等待。这很好。我自己其实更偏向是个安静的人，如果我去听别人的演出，我也喜欢在一个安静的时间进去，然后静静地观看，这很棒。 而且很高兴看到现场也有不少女性乐迷。在英国，台下可能70%都是男性，而在这里完全不一样。这一切不同都真的太棒了。
UPEE：在此前的巡演以及这次演出期间，有没有什么中国食物成为了你们的最爱，或者让你们觉得印象深刻？
Sea Power： 葱油面吧！另外因为我是素食主义者，所以我喜欢吃一些素的东西。比如那种小馒头，你懂的，就是那种里面没有肉的包子。还有一些很有意思的点心，比如那些在家里绝对吃不到的甜品。我们吃了什么来着？对了，脆皮炸牛奶非常好吃。
